« Difficile, lorsqu’on rencontre Caroline Sageman, d’oublier quelle enfant prodige elle fut, son regard inchangé la trahit. Un regard déterminé qui, depuis toujours, révèle la même évidence : Caroline Sageman n’a pas appris la musique, elle y est née. Pas étonnant, alors, qu’on peine à trouver dans sa biographie les repères habituels des carrières ordinaires.

Eduquée à la maison, elle grandit entre les valses de Chopin par Rubinstein et les leçons de piano de Denyse Rivière, elle-même disciple de Marcel Ciampi et professeur de Jean-Marc Luisada.

A neuf ans, elle remporte le premier prix du Royaume de la Musique qui la conduit sur la scène de la Salle Pleyel à Paris. Le public découvre alors une image sidérante : une blonde et minuscule gamine, les pieds ballants au- dessus des pédales du piano, tient tête à l’Orchestre Philharmonique de Radio France dans le Concerto en ré majeur de Haydn. 

A l’instar de Claudio Arrau, qui ne tardera pas à suivre avec bienveillance le développement de cette artiste singulière, d’autres maîtres croiseront la route de Caroline Sageman : Germaine Mounier et son infatigable générosité, Milosz Magin, Hubert Guillard et bien sûr Merces De Silva Telles, l’une des rares élèves d’Arrau.

A dix-sept ans, seule, et contre l’avis de tous, elle prépare le Concours Chopin de Varsovie. Bridée par le trac, elle remporte le sixième prix de ce concours tant redouté et demeure, à ce jour, la plus jeune lauréate de toute l’histoire du concours Chopin.

Ensuite, Caroline Sageman joue beaucoup, en Italie, au Japon…  et découvre les joies de la musique de chambre. Avant de s’accorder un peu de temps pour entrer dans l’âge adulte, pour découvrir Johnny Hallyday, l’art culinaire et les grands vins. 

En mai 2000, son premier disque Chopin chez Lyrinx est celui d’un grand maître. Puis elle enregistre la Sonate de Liszt qui confirme aux oreilles de tous qu’elle est une personnalité unique dans le monde du piano. Cela tombe bien car Caroline Sageman, plus que jamais entièrement dévouée à son art, est désormais prête à la carrière conforme à son immense talent et sa personnalité hors norme.»  Arièle Buteaux

Invitée régulière de grands festivals (La Roque d’Anthéron, Festival Chopin à Paris…) ou de grandes scènes (La Criée à Marseille), Caroline Sageman aime les aventures moins conventionnelles, ou tout simplement aller à la rencontre des autres.

Enthousiasmée par les voyages et la découverte de nouvelles cultures, elle a donné en 2010 une série de concerts pour le réseau des Alliances Françaises aux Caraïbes et aux Etats-Unis.

L’un de ses plus beaux projets reste ce spectacle créé en 2015 avec Patrick Bruel, mettant en avant les textes d’Alfred de Musset sur la musique de Frédéric Chopin.

Passionnée par la pédagogie et la transmission, elle est l’assistante de Jean-Marc Luisada à L’Ecole Alfred Cortot à Paris et a une classe de piano au Conservatoire du Blanc-Mesnil. Elle donne régulièrement des master-classes.

Caroline Sageman a enregistré ses dernières années pour le label Lyrinx les Polonaises de Chopin,  les sonates pour Piano et Violon de Beethoven avec le violoniste David Galoustov, ainsi qu’un disque de Trios Russes, avec David Galoustov et la violoncelliste Maja Bogdanovic.

Dernièrement elle a enregistré un disque avec sa nièce, la violoniste Sarah Jégou-Sageman, et les Préludes de Chopin, toujours pour le label Lyrinx.

Alexandre Tharaud est un artiste rare : pianiste éclectique, écrivain, directeur artistique, sa passion pour la musique l’anime d’une créativité qui nourrit son univers de la musique baroque au répertoire contemporain. Dès son enfance, Alexandre Tharaud est pris de passion pour la scène, la magie de ses lumières, de ses coulisses, des applaudissements d’un public émerveillé. La passion des théâtres le stimule pour son premier apprentissage musical sous la direction de Carmen Taccon-Devenat, élève de Marguerite Long. Il ouvre la porte du Conservatoire de Paris à 14 ans et ne tarde guère à en ressortir auréolé d’un premier prix de piano (classe de Germaine Mounier). En 1987, il est lauréat du Concours international Maria Canals et, un an plus tard du Concours Città di Senigallia. En 1989, il reçoit le deuxième prix au Concours international de Munich.
Si Alexandre Tharaud entame dès lors une carrière internationale, il prend le temps de définir son répertoire de manière toute personnelle. À l’instar de Marcelle Meyer, à laquelle il dédie l’un de ses enregistrements, Tharaud explore notamment les oeuvres des XVIIe et XXe siècles, sans négliger la création contemporaine. Ses collaborations de musique de chambre ne s’effectuent pas seulement avec des artistes classiques (Michel Dalberto, le Quatuor Ebène, Philippe Bernold, ou Michel Portal) mais s’étendent jusqu’à Bénabar, Bartabas ou François Morel dans le cadre de spectacles originaux. Alexandre Tharaud a reçu plusieurs récompenses pour ses enregistrements, dont le Grand Prix de l’Académie Charles-Cros pour son interprétation des œuvres de Francis Poulenc (1997), puis pour celle des œuvres de Maurice Ravel (2003).

Son enregistrement des suites en la et en sol de Jean-Philippe Rameau a été plébiscité par la critique (Choc du Monde la Musique, Télérama), tout comme celui consacré à des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti paru en 2011 (Diapason d’or Arte, Choc de Classica). En 2012 il est soliste instrumental de l’année aux Victoires de la musique classique et en 2013, c’est la Victoire pour l’enregistrement de l’année qui lui échoit, en récompense de son CD Le Bœuf sur le toit. Le 23 février 2021, il reçoit une nouvelle Victoire de la Musique Classique, catégorie Soliste Instrumental.

Née au Japon. Natuki Nishimito a fait ses études de maîtrise à l’Université des Arts de Tokyo avec puis à l’Ecole Superieure de Musique de Catalogne avec Pierre Reach et également au Conservatoire Superieur de Castellón sous la direction de Leonel Morales.
Premier prix au concours international de piano San Giobannni Teattino (Italie), le deuxième prix au concours international de piano Campillos (Espagne) et au concours international de piano de Malte en 2015 , le troisième prix au concours international concours de piano « Compositeurs d’Espagne » et au Concours international de piano José Roca (Espagne), première médaille au Concours de piano de Brest dans la catégorie Chopin , prix de la musique espagnole au concours international de piano Cidade Ferrol ( Espagne), prix spécial du jury au Concours international de piano Teresa Llacuna , « Prix des musiciens les plus distingués » et la « mention spéciale de Ginastera » au Grand prix IBLA (Italie), prix Andrés Segovia-José Miguel Ruíz Morales en « Musique à Compostelle ….
Elle se produit dans toute l’Espagne, le Japon, la France, l’Italie, la Grèce, la Turquie, la Suisse, le Canada, l’Estonie ….

Diana Cooper commence le piano à l’âge de sept ans au Conservatoire de Tarbes dans la classe de Jean-Paul Cristille et, deux ans plus tard, donne son premier récital.

Lauréate de nombreux prix internationaux dont le 1er Prix au Concours Chopin de Brest, le 1er Prix au Halina Czerny-Stefanská International Piano Competiton à Poznań (Pologne) et le 1er Prix au Concurso Internacional de piano de Vigo, (Espagne), Diana est invitée à se produire dans divers lieux et festivals, en France et à l’étranger, notamment au Nohant Festival Chopin, au Festival Chopin de Paris, à l’Ambassade de Pologne, à la Salle Cortot à Paris, au Festival International de Colmar, au Festival Ysaye en Belgique, au Palais des Congrès de Huesca en Espagne, au Hrvatski dom Split en Croatie, à la Philharmonie de Kielce en Pologne…

 « Nicolas Stavy impose un ton éminemment personnel, subjectif, dense et intimidant :
une interprétation de l’extrême »
Il se produit sur de prestigieuses scènes internationales telles que la Salle Pleyel, la Philharmonie de Paris, le Festival de la Roque d’Anthéron, Festival piano aux Jacobins, Festivals Chopin à Nohant et à Bagatelle, Piano(s) Festival à Lille, Festival Berlioz, Klavier Ruhr Festival, Casals Hall de Tokyo, Athenaeum de Bucarest, Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, Victoria Hall de Genève, Hong-Kong Academy for Performing Arts, 92nd Street Y of New York… Et en soliste avec de grandes formations telles que l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre Symphonique de l’Utah à Salt Lake City, l’Orchestre Philharmonique de Bucarest, l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre de la Garde Républicaine…
Il a été disciple de Dominique Merlet pendant près de 15 ans. Par la suite, les rencontres avec György Sebök et Alfred Brendel l’ont profondément marqué. Des Prix aux Concours Internationaux Chopin de Varsovie, Genève (2e Prix) et Bachauer aux USA lui ouvrent les portes du monde musical international.

Ses derniers disques ont été salués par ***** Classica, Maestro de la revue Pianiste, **** dans The Guardian et Télérama, 5 diapasons, coup de cœur France Musique et le prestigieux Preis der deutschen Schallplattenkritik.

Caroline a fêté l’année dernière ses 40 ans de carrière.

Eduquée à la maison, elle grandit entre les valses de Chopin par Rubinstein et les leçons de piano de Denyse Rivière, elle- même disciple de Marcel Ciampi et professeur de Jean-Marc Luisada. A neuf ans, elle remporte le premier prix du Royaume de la Musique qui la conduit sur la scène de la Salle Pleyel à Paris. Le public découvre alors une image sidérante : une blonde et minuscule gamine, les pieds ballants au- dessus des pédales du piano, tient tête à l’Orchestre Philharmonique de Radio France dans le Concerto en ré majeur de Haydn. A l’instar de Claudio Arrau, qui ne tardera pas à suivre avec bienveillance le développement de cette artiste singulière, d’autres maîtres croiseront la route de Caroline Sageman : Germaine Mounier et son infatigable générosité, Milosz Magin, Hubert Guillard et bien sûr Merces De Silva Telles, l’une des rares élèves d’Arrau. A dix-sept ans, seule, et contre l’avis de tous, elle prépare le Concours Chopin de Varsovie. Bridée par le trac, elle remporte le sixième prix de ce concours tant redouté et demeure, à ce jour, la plus jeune lauréate de toute l’histoire du concours Chopin.

Nommé dans la catégorie « Révélation Soliste Instrumental » des Victoires de la musique classique 2023, Théo Ould est un artiste éclectique qui dépoussière l’accordéon en le poussant hors des sentiers battus. Le berceau familial de Théo Ould se situe dans les vignobles des Charentes. Natif de La Rochelle, il s’installe très jeune à Marseille. Sa mère est professeure de lettres. Elle comprend les aptitudes d’un fils qui bat la mesure en regardant le film Amadeus de Miloš Forman. Il s’inscrit au conservatoire à quelques verstes du Vieux-Port. Théo Ould est alors âgé de 6 ans. Il choisit l’accordéon qui lui fait penser à un ordinateur ou un vaisseau spatial ! Bardé d’une solide formation et captivé par la danse classique qu’il pratique quelque temps, il suit par ailleurs les cours de direction d’orchestre de Roland Hayrabedian. À 16 ans, il intègre ainsi le CNSMD de Paris. Il fonde alors le Philia Trio (accordéon, violon, violoncelle). Ce trio est formé avec deux amis du conservatoire. Ensuite , il fonde le Quatuor Æolina (quatuor d’accordéons). Cette formation est unique au monde. Une cascade de récompenses s’ensuit alors, en soliste ou en groupe (prix Léopold Bellan, premier prix Jeunes Talents de Normandie, Fondation Banque Populaire…). Sa virtuosité lui vaut même les encouragements de Marcel Azzola. Très communicatif, empathique, Théo sait aussi partager son goût pour la musique d’aujourd’hui (Campo, Matalon, Gubitsch…). Il collabore d’ailleurs avec des musiciens de renom comme le clarinettiste Florent Héau.
Outre l’enregistrement de la Symphonie fantastique de Berlioz transcrite pour quatuor d’accordéons (Klarthe), vient de paraître le récent album « Madness » avec le Philia Trio (DiscAuvers, CLASSICA n° 245). Celui-ci rassemble des pages de Vivaldi, Beethoven, Prokofiev, Pärt ou Campo. Avec enthousiasme, il s’immerge ainsi depuis la pandémie dans la création de podcasts à large spectre ouverts à des invités de tous bords. S’il apprécie au premier chef les voyages, la mode (ses tenues de pop star en témoignent), la peinture, la gastronomie, le cinéma, l’opéra, le théâtre, le jazz, cet artiste flamboyant entend néanmoins promouvoir le piano à bretelles pour l’ouvrir sur des horizons encore inconnus.

Après un concert au sommet du Pic du Midi de Bigorre à 2800m d’altitude, en juin 1997, sur un piano de concert héliporté, Pierre Réach lance la grande épopée de l’Académie György Sebök et du festival Piano aux Pyrénées qui deviendra quelques années plus tard le festival Piano-Pic à Bagnères de Bigorre (Hautes-Pyrénées).

Dans beaucoup d’endroits du monde, Pierre Réach a acquis la réputation d’un pianiste d’exception qui interprète des œuvres aussi spectaculaires que les Variations Golberg de Bach, la transcription lisztienne de la Symphonie Fantastique de Berlioz, la sonate Hammerklavier de Beethoven ou encore la sonate « les quatre âges de la vie » de Charles-Valentin Alkan. Dans son important répertoire qui va de Bach à Messian , l’œuvre de Beethoven a toujours occupé une place à part. Pierre Réach est également reconnu comme un merveilleux pédagogue sachant transmettre avec un enthousiasme, qui n’appartient qu’à lui, son savoir et sa quête d’émotion dans la musique. Il est aussi devenu un infatigable créateur et organisateur de manifestations artistiques. Il a donné des récitals et des concerts avec orchestre dans tous les pays d’Europe, au Japon, aux Etats-Unis, en Israël, en Russie, en Corée du Sud, en Chine (où il se rend quatre fois par an). En janvier 2005, il est nommé Professeur Honoris Causa du Conservatoire de Shanghaï, et ses masterclasses dans plusieurs pays d’Europe, d’Amérique et d’Asie sont très réputées. IL enseigne actuellement le piano à l’Ecole Supérieure de Musique de Catalogne à Barcelone. En Mars 2015, Pierre Réach a été fait Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le Ministère de la Culture.

Lauréat de nombreux concours internationaux (Wieniawski, Lipizer, Belgrade…), Nicolas Dautricourt est des violonistes français les plus brillants et les plus attachants de sa génération. La carrière de Nicolas Dautricourt est très éclectique : invité pour les 23emes Victoires de la Musique Classique, il est membre de la Chamber Music Society of Lincoln Center de New York et se produit dans le cadre de prestigieux festivals : Festival Enesco de Bucarest, Printemps des Arts de Monte-Carlo, Rencontres Musicales d’Evian, Folles Journées de Nantes et de Tokyo, Jazz à Vienne, Jazz à la Grange, Jazz in Marciac, Copenhagen Jazz Festival…Il est également invité par de nombreux orchestres internationaux, parmi lesquels le Royal Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National de France, le Detroit Symphony, la Sinfonia Varsovia, l’Orchestre Philharmonique de Liège, l’Orchestre Symphonique du Québec, l’Orchestre du Capitole de Toulouse, le Mexico Philharmonic, le Belgrad Philharmonic, le Kiev Philharmonic, l’Orchestre National d’Ile de France, l’Orchestre Français des Jeunes, la Philharmonie de Lorraine, l’Orchestre des Pays de la Loire, l’Orchestre Philharmonique de Nice, l’Orchestre Poitou-Charentes, l’Orchestre d’Auvergne… il travaille ainsi avec les plus grands maîtres : Leonard Slatkin, Paavo Järvi, Fabien Gabel, Tugan Sokhiev, François-Xavier Roth, Eivind Gullberg Jensen, Michael Francis, Kazuki Yamada, Yuri Bashmet, Arie Van Beek, Dennis Russell Davies, Jean- Jacques Kantorow…

Loup vert est le premier disque de jazz du pianiste français Julien Grassen Barbe paru récemment sur le label Hidd. Un projet tourné vers l’impressionnisme, le cinéma, le be-bop, les mathématiques et les musiques improvisées. Loup vert désigne le nom d’un fétiche, d’une créature qui souffle l’inspiration – clin œil au poète Rainer Rilke. C’est cette musique augmentée de compositions nouvelles que le trio interprétera le 21 juillet au Festival Piano Pic. Pour l’occasion, il retrouvera Slim Chikhaoui, à la contrebasse et Tom Peyron, à la batterie. La musique de Julien Grassen Barbe est traversée par de nombreuses influences, de Frédéric Chopin à Morton Feldman, d’Erik Satie à Herbie Hancock, en passant par Keith Jarrett, Madlib et Naftule Brandwein. Formé à la musique classique, diplômé du conservatoire des Hautes-Pyrénées dont il est originaire, écrivain-interprète-compositeur, Julien Grassen Barbe est aussi ethnomusicologue, spécialiste des musiques juives. Certaines de ses pièces font entendre des éléments liturgiques qu’il mêle au jazz dans ses arrangements. Le titre « Bashevis », single de son album, entre dans le cadre de cette rencontre entre musique « traditionnelle » et jazz. Le répertoire du trio est une invitation au voyage, à la rêverie, à la mélancolie. La musique de Julien Grassen Barbe ouvre un espace dédié à la mélodie, à l’exploration des textures. La pop, le hip hop rencontrent les harmonies chatoyantes d’un Debussy, le jazz permettant les passerelles.